T最喜欢的设计师都是日本的
他们的设计简约而且特别B

Yohji Yamamoto
	那个叫山本耀司的人yohjiyamamoto 1990年代初，世界时装舞台上来自日本的“新浪潮”已成强弩之末。当时尚的接力棒转到以Martin Margiela为首的比利时反结构学派手中，三宅一生、山本耀司和川久保铃等人的东方文化传教使命似乎已经结束。  然而1990年代末，山本耀司（Yohji Yamamoto）推出了以1950年代法国服装风格为主题的服装系列，令时装界再次对这些日本人刮目相看。他本人的服装展示会也再一次成为人们朝拜的圣地。一个新的专卖店在伦敦开业了，人们甚至传闻，山本耀司正在考虑执掌一个等待起死回生的法国时装公司。与此同时，他的老朋友川久保玲东山再起，三宅一生的褶裥成衣系列再次风行一时。时装界的许多著名设计师如Calvin Klein、Jil Sander、Hussein Chalayan、Helmut Lang，也开始热衷于将日本式剪裁法——尤其是山本耀司和川久保玲的层叠和悬垂技术，运用到自己的款式之中。 对于西方人来说，始终与西方主流时尚背道而驰的山本耀司是个谜，是个集东方的细致沉稳和西方的浪漫热烈于一身的谜。而他的时装正是以无国界的手法，把这个迷的谜底展示在公众的面前：模特转身的刹那，你会发现他的衣裙无论背面或正面都是一样的漂亮！这就是高级时装工艺在高级成衣中的应用，每个细节都同样的精彩，无懈可击。 追述山本耀司的家史，我们会发现他作为一个时装设计师的自然成因。 1943年出生于横滨的山本耀司，母亲是东京城里的一个裁缝。所以，自1960年代末，他就开始帮母亲打理裁缝事物。那个时候，东京的裁缝们地位低下，他们必须走家串户才能做到生意，而且只能走小门。在服装的裁剪上，也完全没有自己的主张，只能小心翼翼地照着西方流行的式样为雇主效力。 但山本耀司却不甘于如此。他从法学院毕业后便去了欧洲，并在巴黎停留了一段日子。回到日本后，他决心再不让别人将自己视为下等人，因为他已经认识到，服装设计可以和绘画一样成为一门具有创造性的艺术。 尽管此后的很长一段时间，山本对身边的一切包括世俗观念、小资情调、规范着日常生活的条条框框等都十分厌倦，但二战后的种种变化仍为他带来了发展的机遇。那时的日本妇女不得不走出家门到外面工作以补贴家用，这使得山本有机会为她们设计更加宽松舒适、灵巧漂亮的衣服。据山本回忆：“在那时，大家都想穿从巴黎进口的衣服，但进口的衣服穿在大多数日本人身上真有些滑稽。” 1972年，山本耀司建立起自己的工作室，并在70年代中期被公认为是先锋派的代表人物。不仅如此，他还和另一个先锋人物川久保玲经常见面，并陷入了一场旷日持久的柏拉图式的恋情之中。有意思的是，山本至今还与川久保玲的丈夫、英国编织服装设计师Adrian Joffey保持联系，并“互相交换”有关川久保玲的故事：“当我们一踏上巴黎，新闻界即说我们穿着典型的日本人装束，而在日本我们却被认为太前卫。” 1981年，他们在巴黎举行一了次备受争议的时装展示会，据《卫报》的时装编辑Brenda Polan回忆：“在那之前巴黎从没有过那种黑色、奔放、宽松的服装，它们引起了关于传统美、优雅和性别的争论。” 而山本和川久保铃担心的却是：“我们都认为我们是很国际化的，可是在国际上，传媒还是把我们做的定位为‘日本风格’”。 经历了1990年代初的萧条之后，山本又以新的激情投入了工作。尽管有一段时间他的心情很坏，而且想故意做一些丑陋的衣服。但很快他就被一种永恒的美感完全吸引住。 “有些人认为，我在拙劣地模仿Chanel和Dior的风格，”他说的是1997年那次点燃起他的新生命火焰的展示会。“那是我对大师们的怀念……我现在的每个服装系列都是崭新的，而我却越来越觉得我可以加入一些以前的成分。……实际上，我这个人很懒。这就是为什么我没有去搞法律。开始的时侯，我只想在巴黎开一个小店，从没想过办展示会。最后由于生意上的压力，不得不停地工作。……在90年代初那段不景气的日子里，做什么都很费力。而现在，我轻松多了，对工作又充满了兴趣，也许这个职业就是我安身立命的根本。现在，我把一切都看得很开。” “五十而知天命”的山本耀司深谙如何保持时装的新鲜。他那些著名的顾客如小甘乃迪的妻子Carolyn Bessette Kennedy和艺术家Cindy Sherman等，为了穿上创意十足、剪裁微妙且十分实用的时装，每一季总不忘搜寻他的最新作品。1999年春季，为了顺应大行其道的实用风潮，山本耀司竟让伸展台上的新娘从婚纱裙的拉链口袋里掏出鞋子、手套、和捧花。同年秋季，又在时装发布中重现了“铁达尼号”上的大帽子。 对于喜欢从传统日本服饰中吸取灵感的山本而言，通过色彩与质材的丰富组合来传达时尚理念是最恰当的手段。在西方的设计师那里，更多运用的是从上至下的立体裁剪，而山本则从两维的直线出发，形成一种非对称的外观造型，这种自然流畅的形态，正是日本传统服饰文化中的精髓。他的服装以黑色居多，并以男装见长，其Y&y品牌线的男便装由于能够自由组合、价格适中，在市场上赢得了极大成功。  2001年秋冬，山本耀司发表了以爱斯基摩人为原型的高级时装，其精湛的裁剪、不动声色的设计以及对褶皱技巧的巧妙运用，再次令时装界为之折服。对于他的服装，人们喜欢引用他自己的一句话来加以解释：“还有什么比穿戴得规规矩矩更让人厌烦呢？”  山本耀司的秘密世界  　　山本耀司深谙如何保持新鲜感。他那些既美丽又聪慧的顾客，包括小甘乃迪的妻子Carolyn Bessette Kennedy和艺术家Cindy Sherman，每一季总不忘搜寻他的最新作品，只为了穿上创意十足、剪裁微妙、但又实用地让人惊讶的时装。目前事业如日中天的山本耀司、让整个巴黎充满耳语，大家都忍不住猜测，山本耀司下一步会变出什麽戏法？为了目前大行其道的实用风潮，山本曾让伸展台上的新娘，从婚纱裙中的拉链口袋掏出鞋子、手套、和捧花（’99年春季）。他还重现过铁达尼号女性乘客所戴的大帽子（’99秋季）。即便是山本耀司近来在美国上市的新男性香水—Yohji Homme，也很难用言语形容，因为他的创作主题是“幽默”，“幽默”这种特质要怎麽用香味来表现呢？这正是山本耀司的谜题之一。   　　“山本先生本身就是一个充满矛盾的人。”前往山本耀司东京的住宅之前，他的创意指导Irene Silvagni告诉我们：“你看见的可能和你心中想的完全不同。”山本耀司并不在乎拥有一栋“设计过”的房子，Silvagni说，而且房子里也没有艺术品，因为“除非在美术馆，否则艺术品会剌伤他的眼睛。”此外，山本的庭院丝毫没有禅意、也不整齐，而是充满杂乱的异国花草。房子内部有两个工作室占去大部份的空间，一处是空手道场，一处则是音乐室。还有什麽比这更让人匪夷所思的呢？山本耀司的住家位于东京港区，属于宁静的高级住宅区。他的房子位于道路角落，挤在两栋房子中间。高但低调的窗户，加上灰色的外貌和突出的屋顶，让整栋房子看起来和周边环境并不协调，就像一座倾斜的水泥堡垒，睥睨着眼前的街道。房子看起来出人意料的简单，设计相当有现代感，单一而且毫无矫饰。不过当你望向车库，却又会发现一辆劳斯莱斯轿车讽刺的露出豪华的黑色车头。（“我的确有一个弱点。”山本承认：“那就是英国车。”）房子内部的陈设同样简约到了极致。山本耀司所谓物质拥有欲的弱点，倒是屈指可数，他也承认自己是个基本主义者。这一切都要回溯到十八年前，当时山本首度进军巴黎，以解构式的黑色服装与平底鞋摇撼了时尚界。“从那时候起，我必须经常往来国内外各地，因此我决定只保留最少量的物品。”他坐在起居室的中式古董椅上，摸着自己的山羊胡对我们说：“我希望自己能在两小时内打包走人，我不喜欢沈溺在太华丽的事物中，或者对某些东西太着迷，除了书本以外。”
Issey Miyake
	三宅一生1938年4月初生于日本广岛市，日本多摩美术大学设计系毕业，设计的作品曾在东京、洛杉机、旧金山和伦敦的博物馆展出。 三宅一生被誉为“这个时代最伟大的服装创造家”。他的设计摆脱以往设计的常规，敢于向传统设计挑战，抛弃传统服装的包裹意义，自由发挥想象的空间。在近15年里，他的设计大胆，似乎是在蔑视传统，但是作品的流畅与自如使身体得到最大限度的自由。 三宅一生的名言是：“衣服穿在外面，但必须用心体会。”因此，他特别重视布料所传达的信息，布料的性质及特点是他创作的灵感来源之一，衣服上的线条、织物的色调，往往会成为他表现手法上的借鉴。他的作品有一种无结构、无拘束的社会态度，使得作品总是那么与众不同。 三宅一生的时装源于日本，却又有西方作品的精神。他的作品不仅仅是装饰铜体，还非常强调内部和外表的造型结构。他的作品名副其实的具有艺术的特征，他也因此成为服装设计大师。 三宅一生的发布会在当今的时尚舞台是一道亮丽独特的风景线，是时尚的标榜。 1938年，Issey Miyake〔三宅一生〕出生于日本的广岛。对一般人来说，62岁功成名就就该退隐了，可是Issey Miyake却不断地向新的设计领域进军，在他身上，或者说在他思想深处，找不到一丝墨守成规、因循守旧的感觉。 　　 其坚毅的信念可能与其童年经历有关。Issey Miyake七岁时，因为美国在广岛投下的原子弹而使他失去父亲，随后母亲也相继过世，他自己则在十岁时被证实患有骨髓疾病，因此四肢常软弱无力。而这些苦痛经历却塑造了毅力坚强与充满创意的Issey Miyake，他说："我不知道自己的个性是否与童年的经历有关，但我知道曾发生在我身上的一切对我都是宝贵的经验。 　　  于东京Tama大学平面设计系毕业后，Issey Miyake到巴黎服装设计学校深造。在追随设计师Guy Laroche与Givenchy之前，他曾先在巴黎高级订制服工会学习，奠定了他深厚的剪裁技术基础。 　　 1970年，Issey Miyake设计事务所成立，开始了他的服务设计工作。从此以后，Issey Miyake以常人难以想像的热情全力开拓自己的创作领域。他独特的"一块布"设计理念不仅改写了西方传统的服饰结构，并且也让他获得了西方媒体与全球消费者的青睐。 　　 90年代初Issey Miyake首先推出了褶绉设计，今天看来，仍不失为最新时尚。一次，Issey Miyake去观看一场芭蕾舞排练，当他看到演员所穿护腿毛线裤时，立刻产生了灵感，褶绉设计就这样诞生了。这种新颖的设计不但穿著合身舒适，更美妙之处在于当身体挪动时，有一种飘飘欲升之感。当人们力求展现曲线美，褶绉设计却能给人一种立体漂浮之感。褶绉设计一经面世，就引起了人们极大的关注，直到今天，人对褶绉设计还是情有独钟，在褶绉的基础上加添了不同样式的设计和色彩。假如你对这种服装感兴趣
Rei Kawakubo
	川久保玲COMME des GARCONS2001-09-05 13:38:03　 提起日本的服装设计师，“另类设计师”川久保玲那就一定不能错过了。1942年出生于东京的川久保玲，天秤座，毕业于庆应大学艺术系，1969年成立自己的品牌 “COMME des GARCONS”，法文意思是“像个男孩”。1975年东京的在首次女装发表会。1978年再推出男装 HOMME。1981年巴黎的女装发表会引起世界流行舞台的重视，隔年更以有名之乞丐装概念引领当代的流行先锋。 美国时尚界给予川久保玲“流行先锋”的称号，赞美她不仅在服装设计上开创新意，而且在经营品牌旗舰店上眼光独具。十年前，川久保玲在没有设计师设店的纽约艺术区Soho开设了第一家服饰店；十年后Soho到处是名牌精品店，川久保玲则退出这个热门区域，率先迁到原是仓库林立的雀儿喜区，超现代感的室内装潢再次造成轰动。　　 川久保玲的设计独创一格十分前卫，融合东西方的概念，被服装界誉为“另类设计师”。她的设计正如其名，独立、自我主张──只要我喜欢，有什么不可以。她将日本典雅沉静的传统、立体几何模式、不对称重叠式创新剪裁，加上俐落的线条与沉郁的色调，与创意结合，呈现很意识形态的美感。  当川久保玲1981年在巴黎第一次展出她的时装发布会时,西方的评论家都用了“原子弹”来形容她给人们带来的震撼。一些主办人甚至认为她设计的不对称式裙装或是暴露在外的缝线装是可笑而荒谬的，而不让她登台。在那个时期的时装界，法国人就是主宰,他们认为黑色不是日常服饰的色彩,而服装也仅仅是装饰而已。而在川久保玲的概念中，服装并不要表现身体曲线，而是要让人们思考。由于她的缘故，黑色成为最时尚女人的永恒形象。 川久保玲设计的服装看上去更像是些未完成的作品，她的衣服不是常规的两只袖子和正常的比例，她的时装充满了变数，扣子不在扣眼里，或是完全不对称的领口，她所创造的和正在挑战的正是“时尚就是美丽代名词”的概念。   她是时装界确实的创造者——位具有真实的原创观念的时装设计师，凭借她最重要的观念——黑色，在最近的几十年席卷全球。 20世纪80年代早期，来自日本的时装设计师川久保玲，革命性的发布会使原来仅限于晨礼服和燕尾服的黑色成为流行。由于她的缘故，黑色成为最时尚女人的永恒形象。 黑色由贵族和男性改变为女性。 川久保玲习惯穿一身黑，留一头不对称的黑色齐肩短发。说：“黑色是舒服的、力量的和富于表情的。我总是对拥有黑色感到很舒服。” 她经常被媒体批评，因为有时她展示的服装就像是纳粹集中营的囚犯们穿的无体型的宽松服，略作修改就组装上了舞台，因而常常激怒了公众。她对保守者来说不是个陌生人，但看看她的经历，很奇怪的是她能成为那样的时尚预言的设计师，将黑色演绎成时尚设计师与时尚的同义词。 毕竟，1973年，她在东京建立了自己的公司，并向世界展示了一种革命性的新型穿衣方式。从那开始，她就一直在为实验而奋斗，永远创造着比时装界流行超前得多的原型和概念服装。 这位1942年出生的东京庆应大学教授的女儿，最初是女承父业，从美学专业毕业。她开始的工作是在一家丙烯纤维工厂的广告部作职员。早期获得的面料专业知识使她对不寻常的面料有种特殊的兴趣，不久她便成为一名自由款式设计师。 1973年，川久保玲凭借她过人的勇气，决定开一家自己的公司，并取名为COMME DES GARCONS，法文意思是“像男孩一样”。实际上，她只是很喜欢这几个单词的发音，而并非媒体后来根据这个著名品牌的意思作出的可能是女性主义的猜测，毫无疑问，她被认为是一个女性主义者。 她说：“我的目标是每一位女性能够有自己的生活并自我满足。”她将自己的服装描述为：“女人不用为了取悦男人而装扮得性感，强调她们的身段，然后从男人的满意中确定自我的幸福，而是用她们自己的思想去吸引他们。” 首先，她最有名的发布会，充满大的、黑的、方的服装，让媒体认为这是预示灾难的服装。 她的第一个时装发布会，也打破了时装表演的一贯模式；她用一曲狩猎哀歌取代流行音乐，用古怪的化妆和不整洁的头发，将模特丑化。  物质的材料的改变与适应服务对象,而不是捆绑着的人. 1984年，采用有弹性的人造丝的交叉往来，使服装看起来像在身上起泡的鼓包。 1986年，捆绑的棉，人造丝和PU，厚帆布，创造有可能的吸引的造型。 1992年，未完成的服装和纸样，贴着艺术家权威的“解构”邮票，在时装界发起解构主义运动。这一灵感，影响了整整一代时装设计师。   在日本，各种形式的版本是不同的：20世纪50年代日本的妈妈们穿的是和服，而年轻一代则穿着法国的“新外观”，再新一代则完全是美式风格。但是新的服装服饰的出现，不是从我们的街头，或者现代时装的博物馆中产生的，它不是西方的衣橱。换句话说，首先到达东京的，不是服装，而是电影，杂志和照片。 日本人在现代化的过程中同样感受到了文化入浸和融合的困惑。它不仅仅是一个老式学校翻新教学楼的过程，而是通过个人的观点去看待文化融合的积极手段。毕竟，麦当劳和美国大兵，嬉皮士和性解放，让这个岛国的优雅民族一时间变得无所适从。西方的文化观念，偏好和历史，都与东方文化截然不同。 也就是在这时，六七十年代，一批日本青年服装设计师跨洋求学。他们有的将巴黎高级时装进行到底，如森英惠（Hanna Mori），高田贤三（Kenzo）；有的则回到东京重塑新日本风格，担纲文化新旗手，如三宅一生（Issey Miyake）如山本耀司（Yoji Yamamoto）。 至于川久保玲，则是另一个特殊的例外：她既没有出去学别人的模式，也没有经过正统的训练，但在东京的本土上，她做出的又绝不是纯民族的东西。她的意识已经远远超过了当时堪称前卫的美国，以及朋克发源地的英伦三岛不列颠王国。 她的看似古怪的思想，实际上是非常深刻的。深得无底，所以才会在20年后大放异彩，让更年轻的一代时装设计师们崇拜，去解构，去寻求自信。幸运的是，她能在活着的时候看到这一切，否则说不定会成为时装界里又一位悲惨的女梵高。   “我不喜欢显现体型的服装。”所以她和别的设计师都不一样。由于她没有受过正规学院式绘画和裁剪的专业训练，所以设计师和传统之间无所束缚。她的衣服不是常规的两只袖子和正常的比例，因此，她的服装在销售的时候，必须有着如何穿衣的指示说明。以便人们正确地穿着它们。   不在扣眼中的扣子，让一块围布在空气中飞扬起来。这不是不对称，因为不对称要求有一些对称的元素在里面。让我们叫它非对称，不匹配或者完全是偶燃的。直条字被破坏了，这之间没有任何的学院派，或回收的朋克，或是后核生存主义。日本的破坏，本身就是时尚隐藏的主题。在它所有的神秘和完美之中，“艺术为现实挖了个洞。”   我们称之为现实的东西，将生活隐藏了起来。是艺术，将我们眼睛中的盲点取消，让我们发现了更多。川久保玲，就是这样一位艺术家，她让我们发现了许多遮盖在高级时装流行外衣之外的许多东西。尽管可能被大家讽刺讥笑，但经过时光的磨洗，我们不得不收起愚蠢的高姿态，细细品味她带来的无穷魅力。在破破烂烂的布片背后，蕴藏着一种对自己的再认识。   作为都市里的时尚男儿，有些东西你必须知道，比如最新的计算机型号、手机类型，比如世界最强的跨国企业的名字和背景，比如顶尖的男装品牌。即便你还没有足够的经济力量将极品西装拎回家，对它们的常识是你作为优雅男人的必要素质。  对于服装品牌而言，诞生在七十年代--那个日本经济不景气的年代，必须面对非常大的压力，也因此COMME des GARCONS非得走出日本不可。于是，经过长时间策划，准备后，川久保玲于1981年，在法国巴黎举行了第一场发表会，创新的风格，立刻受到时装界的重视，并奠定了品牌的地位。 在设计风格上，完全不同于世纪传统服装的延续，川久保玲的破旧，立体剪裁，不对称……，令人印象深刻，蕴涵着属于东方的禅机与思想。有些典雅与沉郁，展现了属于东方的哲学味，一如她本人般恬静。 日本著名的时装杂志《流行通信》最受欢迎设计师与品牌的选票中，COMME des GARCONS曾连续两年名列榜首。而1987年，川久保玲与其他两位设计师发表的Three Women服装展示，更使她被公认为21世纪服装的先驱者。 1998年发表的春夏男装，回归到早期的简单风格，获得相当大的好评。她的创意影响了许多欧洲的设计师，甚至有评论家预言，COMME des GARCONS与PRADA的设计风格，将会是下个世纪的服装蓝本，追求流行的人绝不能忽略她。 川久保玲的男装发表会有个特色，就是模特儿常常是中生代知名的男演员，或是大胆起用高矮胖瘦不一的非专业模特儿。对于设计师而言，，上演员们来诠释服装别有风格；对于观众而言，能看到名人走在伸展台上；也能耳目一新。 相信川久保玲仍能以她服装中独特的思想，吸引许多的拥戴者，成为最受瞩目的世界品牌之一。  随着奢侈品牌进入大众市场，那些奢侈品公司需要一种新方式让巨富新贵们感到他们与众不同。于是，购物经历开始像童话一样美丽。   2011年中国最奢侈 Celux俱乐部表面上看算不上豪华，但想要进入这座东京原宿表宿道的路易·威登购物，却要通过严格的核准程序外加2000美元会员费。一般人也许会对这么贵的入门卡说不，但数百名艺术家、社会名流、时尚迷和领服饰社会潮流之先的人士却认为成为会员是件很酷的事。一旦进入商店，购物就变得让人心醉神驰。会员不仅能购买到最新款的路易-威登产品，而且还可以得到其它顶级品牌限量版的优先保留权。而且Celux俱乐部也不仅仅是个购物的地方。最近几个月里，会员们还享受了一次有日本清酒大师参加的餐会，并且在日本最先看到了《星战前传3》，比美国好莱坞的首映式还要早一个星期。明年，这家俱乐部还要在附近造一座为客户度身打造的公寓楼。这种奢侈经验是未来的趋势。当所有越来越多的人可以买得起顶级品牌，顶级品牌在谋求超越，让最富有的人体会到至尊荣耀、体会到奢华购物的乐趣。这个世界最高端之一的产业现在兴起了变革，奢侈品公司把自己从制造商和承包商转变为提供最上乘的服务，让即使是最富有的精英也觉得荣宠备至，独一无二。 购物经历像童话 富人越来越富有，能消费奢侈品的人越来越多。美国投资银行家盖尔·绍德说：“走在纽约的大街上你就会发现，四个妇女中就有一个提着爱玛仕手袋。”富人越多，对彰显富豪品味的奢侈品的要求就越高。Hermes(爱玛仕)、LV(路易·威登)、Armani(阿玛尼)、Gucci(古奇)、Tiffany(蒂凡尼)和Prada(普拉达)等众多奢侈品公司竞相满足富豪的需要。从20世纪90年代前期开始，主要奢侈品牌公司的规模日益扩张。根据美国贝尔·史登证券公司的数据，在1999年，主要奢侈品公司的股价上升了144%。各大公司把资本投入增加了一倍，竞相建立超豪华的大型商厦，并且把纽约、伦敦、巴黎、米兰等地的商业区改造成了诱人的主题公园。 奢侈品牌仍然提供定做的套装、手提包和精美绝伦的珠宝，但也会提供在私家花园里的尽兴狂欢宴会，某个购物中心内俱乐部的会员资格以及不对外的艺术展和电影放映的门票。艺术和商业的界限越来越模糊。建筑大师们创造出吸引游客观光的商店，而品牌经营商们填满自己空间的也不仅仅是衣服，还有艺术。一些公司可能还会成为新型的服务企业。Armani和Bulgari(意大利顶级时尚品牌)最近推出饭店就是很好的例证。当然，招待顾客的方式现在可以说是千差万别。但是招待顾客将成为购物过程中最重要的核心所在。美国奢侈品研究会的米尔顿·佩德拉萨说：“如果我要花好几千美元买样东西，我就需要整个购物经历像童话一样美丽。”奢侈品研究会是纽约的一家市场研究公司，专门追踪世界上最富有的人们的喜好。佩德拉萨说：“我们生活在一个体验经济的时代，顾客才是秀场的真正明星。” 为你独创已然足够 曾经的名牌开始失去标明富豪身份的符号价值。此外对高级品牌快速模仿的风气日盛，富人们开始把钱花在旅游、SPA和美食上，而不是名贵货物。奢侈品销售在西方走上下坡路。于是这些公司想到要恢复奢侈品的最初需求特性独一无二。  Gucci旗下的Bottega Veneta品牌成为成长最快的品牌之一不是偶然的。Bottega Veneta精美的皮革制品没有标识，它的宣传口号：“为你独创已然足够”显示出这个品牌是市场最高端的品牌。Gucci的首席执行官罗伯特·波莱说，Bottega Veneta的销售达到1亿欧元。  奢侈品牌还增加了预约产品的生产。Boucheron珠宝公司的客户定制产品销售一年之内增长了15%。即使为顾客量身定做产品算不上撒手锏，至少这招也可以帮一个公司挽回形象。路易·威登正在着意宣扬自己作为名贵货品定制者的源远流长。路易·威登的首席执行官伊夫·卡塞勒说：“你可以让我们帮你的小提琴定制一支琴匣。如果你是个茶道高手，你也可以让我们给你的茶具定制一个盒子。总之，无论你想做什么，我们都能做得到。”然而设计师用两年时间为顾客定做一件产品毕竟不是寻常之举，于是肯定不会烂大街的限量版应运而生了。当Burberry沦落成三流明星的专宠的时候，Burberry通过发布限量版制衣来挽回局面。路易·威登最赚钱的生意就是它的非销售版手袋。 购物冒险令人兴奋 有些奢侈品越老越值钱，比如代代相传的珠宝，某位服装设计大师的收山之作等等。但是随着世界变得越来越小，大部分的奢侈品会继续贬值。一次精雕细琢的购物体验所带来的冒险刺激和发现惊奇的感觉才是真正让顾客激动兴奋的东西。于是顶级品牌让购物变成了一件赏心乐事。在东京表宿道的路易·威登大厦中，你可以在贵宾室里翘着脚喝香槟。在顾客文化最发达的日本，名品商店是旅游者必然要光顾的地方。比如Hermes银座店楼上就坐落着Hermes艺术博物馆。Prada的商店设计了许多高科技的设备，充分照顾到顾客的隐私，比如试衣间的门既可以掩盖住试衣人的隐私，又可以发光让旁观者看到试穿效果。 最能体验购物中惊奇发现的感觉的、给时尚界带来最新鲜感觉的是日本女设计师川久保玲的“游击商店”。这些商店在华沙、哥本哈根、赫尔辛基和香港、柏林这些这些非传统时尚地区开设，开设时间仅为一年。开店的成本仅为2000美元。这些店不仅卖衣服，还进行艺术展示、创作音乐和出版杂志。这股风潮对时尚人群来说是无比生鲜的。在“游击商店”店外长长的顾客队伍表明：这确实是人们正在寻找的心灵震撼。
Jil Sander
	极简主义有很多的追随者。但是很少有设计师能够像Jil Sander那样将其作为一种艺术细细研究。Jil Sander曾被女装日报授予"Queen of Clean"的称号，她由于自己节俭的美学和简洁的线条而闻名。Harper's Bazaar 的编辑Liz Tilberis 曾经说过“你看她的服装在肩部有完美的线条，很多设计师都追求简洁的剪裁可是方式都错了。”与Giorgio Armani ， Calvin Klein 或 Prada等设计师不同，他们的服装一眼就可以认出来，Sander的服装是朴素的，独具匠心。Barbra Streisand, Uma Thurman 和 Martha Stewart 对于Sander都是青睐有加。1943年Sander出生在德国的 Wesselburen，在汉堡长大并获得了纺织工程师的学位。使得她得以声名远扬的清醒设计是针对德国战后的简朴主义所作出的反应。“当我小的时候，我观察身边的女性，并认为他们应该是优雅的，雍容华贵并且更加权贵”Sander曾经在一次采访中这样说。 Sander之后来到了洛城，为McCalls杂志和德国时装杂志Constanze and Petra作记者并开始涉足时装业。1968年她开始自由设计。随后开设了自己的第一家时装专卖店。1973年她发布了自己的第一场时装展示会，但是反响平平。当她在巴黎展示的时候，几乎没有受到什么重视。Jil Sander感到失望但是没有放弃信心，Sander离开了巴黎回到汉堡。就这样一直持续到80年，直到来自日本的设计师，Issey Miyake, Yohji Yamamoto 和Rei Kawakubo打破了时装界的传统，此时Sander也找到了自己的位置。 美国设计师Lawrence Steele曾经这样评价Jil Sander“她的服装是最好的，一件Jil Sander的服装可以让你穿上十年，然后再将它留给你的女儿”Jil Sander以他的卷边长裤，轻如羽毛的上衣以及轻便夹克而闻名遐迩。她摒弃一切的多余细节，拉练和钮扣被完全摒弃。她用代褶皱的布料包裹身体，在适当的地方别一个卡子，采用斜向裁剪来突出线条。采用的颜色多为中性，布料现代但不夸张：细人造丝，打孔丝绸和皮革。用聚酯纤维制成的裙装看起来是如此轻盈仿佛要离开衣架而飞走一样。  Sander作品的高价位是勿庸置疑的，如果你想寻求低价位的系列，最好还是放弃这个念头吧。Sander对时代周刊说过“我从来也不相信工业化的产品，因为他们没有任何想象力” 我不知道现在这个时候写下这样的文字是否恰当，在JIL SANDER又一次离开自己的品牌的一年后。一年，是个不短也不长的时间，不过是一轮春去春来、花谢花开，远没有到可以“盖棺定论”的时辰。况且，JIL SANDER是否会再次归来，也未可知，虽然这样的可能性已经微乎其微。不过，一直有一种不安的情绪袭扰着我，特别在看过JIL SANDER这一季的发布后（设计师是RAF SIMONS，比利时第二代前卫时装设计师），我决定将这些情绪记录下来，算是缅怀一下那些曾经纯粹的感动。   1943年出生于德国的JIL SANDER，在汉堡长大成人，并且在汉堡取得纺织品工程学的学位，离开汉堡，JIL SANDER曾经短期移居到美国洛杉矶，并投入時尚媒体杂志工作。1968年，终于开设了第一间她个人的精品店，并在1973年首次发布了她个人第一次的服装秀，然而当时她的发布并没有立即获得普遍的赞扬。之后，JIL SANDER前往巴黎，首次将其服装带到法国境内，仍然没有引起共鸣。感到灰心却不气馁的她，于是离开巴黎返回汉堡。直到80年代，当日本设计师如三宅一生、山本耀司、川久保玲等兴起，所带动的服装新线条引起关注后，JIL SANDER的作品终于开始引起注意。至于后来，个人品牌的倍受追捧，并最终收归PRADA旗下，JIL SANDER两进两出，最后交棒Raf Simons已经是到要到新世纪的事情了。    我一位喜爱德语的朋友曾经跟我提起，德语恐怕是世界上最“坚硬”的语言之一。其中很多发音在我们听起来都是“咬牙切齿”的。而且德语结构也相当规整，前缀后缀绵延不绝，不把来龙去脉交代清楚是誓不罢休。恐怕这样的语言结构也影响了这个民族的思维方式以及世界观（结构主义语言学中的萨丕尔－沃尔夫假说）。众所周知，德国盛产哲学家和古典主义艺术天才，就连最放肆的摇滚乐，让德国人来演义，都变得工整大气、坚硬锋利了许多。由此联想到一众活跃的设计师，似乎也没有跳出这个规则，不论是KARL LAGERFELD还是本文的主人公JIL SANDER。 如果要用两个字来概括JIL SANDER设计的主线，就是“简洁”，如果觉得这两个字还不够有说服力，那就可以用上“极简”来形容。JIL SANDER是业界公认的“极简女王”，其对服装基础线条的迷恋，几乎到了偏执的地步。遍观她的作品，对肩线、腰线甚至下摆的处理，极尽冷峻强硬之能事，就算用刀砍斧凿来形容也毫不为过。什么荷叶边、泡泡袖这些别的设计师经常玩弄的元素，在JIL SANDER作品中出现的机会几乎为零。这种执着同样影响了她的色彩理念，JIL SANDER那“气死张飞，不让李逵”的色彩运用，让黑白灰这样的无色系搭配占领了发布90%以上的时间。看她的秀（特别是秋冬），就感觉全世界三分之一的乌鸦飞到了会场，目光所及，全是黑黑白白的一片。如果说MCQUEEN的用色是深沉诡异，那这位前辈可以说是深沉规范， JIL SANDER一定是在用她的作品来传达自己的哲学思想。在她看来，不论男女，生在这个世界的人都应该是冷静、理性、客观的存在，所以那些抛弃矫饰，只保留最基本结构的创作就最能够反映作品、人性以及世界的本质。“设计或计划就是以几何型的语言对于自然因素的抽象。在这里，几何的形式并非按照欧几里德几何学的空间表现，而是一种纯粹的心理的抽象，一种向着有机形式最高效能的有意的探求，他们来自现实而成型于创造性的心灵中”，文杜里对现代建筑的解读，我认为同样适用于JIL SANDER。JIL SANDER醉心的是对 “统驭着事物自身固有特性的法则”的表现，所以在JIL SANDER的设计中，任何对服装本身结构（包括面料和款式等）以及其功能的表现都应该是不加掩饰的，而任何破坏这种追求“最高效能”的处理都是不应该被采用的。恐怕JIL SANDER这种比较纯粹的现代性思想与哲学中对本质的探询，是她之所以成为“极简女王”的深层原因。 但是这个“极简女王”不是那么容易当的。普通人可能会觉得衣服越简单，就越好做，孰不知这“极简”是最让设计师抓狂的风格了。因为服装的样式和线条虽然很多，但能被这种风格接受就那么几种，而其中能够变动的元素又被近一步限制，到最后你真正可以运用的，屈指可数。同时，必须利用这些元素构成全新的创意，简直是难上加难。“极简主义”一个不好，很容易落入单调乏味的境地，所以必须依靠极强的技术力量来作为支持，这其中就包括了面料、剪裁和做工。JIL SANDER稳居“极简女王”的宝座，与她下大工夫进行面料开发绝对有必然联系。每一季JIL SANDER的新品发布，都有让人耳目一新的面料出场，正是这些具有上佳肌理效果的面料，使得她的服装与众不同。不但如此，庞大的面料库也给她的后继者创作上的支持，Raf Simons甫一亮相，就赢了个碰头彩，JIL SANDER的泽被是功不可没。至于剪裁和做工更是不容质疑，JIL SANDER的衬衣可以穿十年以上，然后再把它传给自己的女儿的典故几乎成为时尚圈里街知巷闻的美谈，足可见其经典的款式与不凡的做工。 记得以前和一位朋友聊天，谈论起JIL SANDER都是赞叹有加。她说了一句评语，我至今记忆深刻。“JIL SANDER虽然号称极简女王，但她的服装中从不缺乏幽默感。”从此，幽默感就成为我评判一个设计师的重要指标。的确，你仔细端详JIL SANDER的作品，经常可以从中找到让人微微一笑的元素。这种感觉很难言说，也许它们就出现在抬高了几公分的腰线，少钉了一颗的扣子，向上翻卷的袖子，不经意弄出的褶皱，你看到它们时，会不觉莞尔，这些东西让你感觉到一丝异样，但仔细思考后又觉得却分外自然，毫不突兀，好像它们就属于那里，本该也一定会出现在那里一样。你会觉得如坐春风，又好像老友重逢，真不知道该如何开口形容自己的感受，所以只能对设计师的诚意用心抱以会心的微笑了。能够制造出这样的效果，觉得是JIL SANDER实力和良苦用心的体现，我想为了这些独具幽默感的创意，她一定是以毫米为单位进行着调整，力求做到尽人类可能的完美。 但就是这样一位追求完美的人最后却离开了时尚界。个人品牌终收归PRADA旗下，JIL SANDER两进两出的功过是非，我已经不想多做评论。如今的时尚界和她的想象已经完全不同，属于JIL SANDER的时代已经结束，取而代之的是关注名气和眼球胜于关注思想和技术的新时代。JIL SANDER的衬衣可以穿十年以上——在以消费甚至浪费为荣的世界上，这早已经从美谈沦为笑柄。试想，连一件家电都被设计为只能正常使用2年，一件能穿十年的衣服，不是怪物又是什么呢？现在的人们崇尚的是感官刺激、速食文化，在这样的环境里，JIL SANDER注定是没有立足之地的。“道不行，乘桴浮于海”，当这个世界里已经没有了你的追求和盼望时，不如归去。   在JIL SANDER退休的一年后，我写下了这些文字，算是在被加里亚诺们折腾的灯红酒绿的尘世中，记录下一些曾经简单而纯粹的感动。那些只为能看到艺术与生命本来面目而生的感动。